CAROLINE WEIHRAUCH-FINISSAGE-LAUDATION
Freitag, 27. Februar 2015, ©Mark Gisbourne
Lassen Sie mich mit drei kurzen Zitaten beginnen, die - wie ich finde - einen guten Zugang zu den farbenfrohen Bildern von Caroline Weihrauch darstellen. Diese Bilder reprasentieren eine Kontinuitat innerhalb des Bildhaften und gegenstandliche Traditionen davon, was man in der Malerei als kreativen expressiven Realismus bezeichnen kann... und ich werde ihr Verstandnis zu gegebener Zeit in die Diskussion einbauen.
1) Die Schonheit liegt in der Natur und wird in verschiedensten Formen der Realitat gefunden. Sobald sie erkannt wurde, gehort sie der Kunst - oder eher dem Kunstler, der sie erkannte.
2) Malen ist eine gegenstandliche Kunst, die nur aus dem Realen und Sichtbaren bestehen kann ... ein Ziel, das rein abstrakt, nicht sichtbar und nicht existent ist, liegt nicht im Bereich der Malerei.
3) Fur einen Kunstler ist Kunst oder Talent lediglich eine Moglichkeit, seine personlichen Fahigkeiten auf die Ideen und Dinge der Zeit anzuwenden, in der er lebt.
Die Zitate stammen von einem Maler, der oftmals als Vater des „Realismus“ und als der erste „moderne“ Kunstler aufgefasst wird - Gustave Courbet. Und genau das unterscheidet ihn von beispielsweise Edouard Manet, der oftmals als Vaterfigur der modernen Kunst gesehen wird. Als Grunder des „Realismus“ reprasentierte Courbet eine lebendige historische Brucke zur Zukunft der Malerei. Und das zu einer Zeit, in der noch nicht definiert war (der traditionelle Akademismus und die Salonmalerei kamen, obwohl zu dieser Zeit unerwartet, zum Ende) was „modern“ ist, also noch bevor Manet die Weiterfuhrung zur „modernen Kunst“ und einem folglich so genannten „Modernismus“ (zur Zeit des Kubismus) unternahm, der das zwanzigste Jahrhundert gro?tenteils pragte. Als dieser „Modernismus“ in den 1970er Jahren, also zu der Zeit des angeregten Debatte um das Ende der Malerei auf der Bildflache erschien, pragte Jean Francois Lyotard (1924-98) den spezifischen Begriff „Postmoderne“. Er bezeichnete ihn als - und ich zitiere „Postmoderne ist keine Moderne an sich, sondern ein im Entstehen begriffener Zustand und dieser Zustand ist konstant.“ Was bedeutet das? Es bedeutet, dass das, was man „Moderne“ nannte, eine bestimmte Schiene war, also ein Ergebnis, das sich selbst als Art Moderne manifestierte, die festgelegt und dominant wurde. Aber das war nicht die einzige Option, die sich hatte entwickeln konnen, es gab viele verschiedene Alternativen. Und was zu diesem Zeitpunkt, als die Moderne diese bestimmte Richtung einschlug, die verbindende Brucke der Zeit war, die so genannten „ismen“ des Impressionismus, des Postimpressionismus, des Kubismus im zwanzigsten Jahrhundert etc.... war der REALISMUS und eine bestimmte Art figurativen expressiven Realismus, der vertreten war durch den Grunder des modernen Realismus, Gustave Courbet (1819-1877). Man sollte nie vergessen, dass der sogenannte „kritische“ und definierende Autor des „modernen Lebens“ Charles Baudelaire (1821-67) war, ein Freund und Mitrevolutionar Courbets. In seinem bekannten und mittlerweile kanonischen Text „Der Maler des modernen Lebens“ (1863) definiert er 'Moderne' als „Und so lief er, langsamer oder auch schneller, seinen Weg, immer auf der Suche. Auf der Suche nach was? .... Er suchte nach dem undefinierbaren Etwas, das wir in Ermangelung eines besseren Begriffes, um die fragliche Idee auszudrucken, 'Moderne' nennen konnten. Sein Ziel ist es, aus der Mode die Lyrik abzuleiten, die in ihrem historischen Gewand ruht, um das Ewige vom Verganglichen zu trennen.“
Ich hore Sie schon sagen: wie passt das denn alles zu den Bildern von Caroline Weihrauch, uber die ich heute berichte. Nunja, ihre Bilder reprasentieren diese gro?artige, kontinuierliche Tradition des figurativen, expressiven Realismus. Und diese Tradition muss komplett getrennt verstanden werden von dem fruheren dominanten „Realismus“ des zwanzigsten Jahrhunderts, wie beispielsweise die Tradition des akribischen reprasentativen Malens, die sich von Fotografien ableitete, wie der „Photorealismus“, der „Hyperrealismus“ und der „Superrealismus“, deren Absicht es ist, die Fotografie zu kopieren und zu vergro?ern und so anderen aesthetischen Zwecken zuzufuhren. Gleicherma?en muss sie separat betrachtet werden von der leicht negativen Geschichte des „sozialistischen oder sozialen Realismus“ wie er eng verbunden war mit einer politischen Ideologie, sie den Realismus fur ihre Zwecke der Staatspropaganda und -ideologie untergraben hatte. Das, was man modernen Realismus nennt, hatte also seit seinem Aufkommen Mitte des neunzehnten Jahrhunderts in den Werken Courbets stark unter Fehlanwendung und Zweckentfremdung zu leiden. Weihrauchs Gemalde sind in der Tat denen von Courbet im Hinblick auf das Genre und das allgemeine Thema sehr ahnlich - eigentlich sind sie sogar direkt verbunden mit der fruhen modernen Kunst - das er, Courbet, initiierte: Stillleben, Interieurs, Blumengemalde, Strandszenen, die Stra?e, das Alltagsleben etc. In der Tat spiegeln sie das Thema und die Eigenschaften des Genres wieder, die Courbet begonnen und wahrend der zweiten Halfte des neunzehnten Jahrhunderts weitergefuhrt hatte (Manet, Renoir, Vuillard, Bonnard, etc.). Letztere Aspekte werden manchmal auch die Belle Epoche genannt. Das Gefuhl in Weihrauchs Gemalden ist wirklich sehr proustisch: Restaurants wie die Paris Bar, Lebensmittelgenuss, Vergnugen, Bonvivant und orale Sinnlichkeit.
Er wird expressiver Realismus genannt, zumindest sehe ich das so, da es nicht um die direkte Abbildung der Realitat als solche geht, wie es beispielsweise beim Fotorealismus der Fall ist. Es ist ein Realismus, der gefiltert wird durch expressive Handlungen, ein Realismus, der sich durch Sensibilitat zeigt und dem expressiven Realismus von Leuten wie Edward Hopper ahnlicher ist, jedoch ohne die murrische existentielle Melancholie des amerikanischen Meisters. Weihrauchs Malereien sind im Grunde ganz klar feierlich. Sie sind expressiv, da sie die Objekte und Szenen vergro?ert und intensiver darstellen als die Wirklichkeit - und dies bleibt erhalten, ganz gleich ob sie von der adaptierten Verwendung einer Fotografie oder anderweitig reproduzierbaren Materials abgeleitet wurden. Und das bringt uns zuruck zu den Zitaten, mit denen ich begonnen habe: Die Schonheit liegt in der Natur und wird in verschiedensten Formen der Realitat gefunden. Sobald es erkannt wurde, gehort es der Kunst - oder eher dem Kunstler, der es erkannte.
Fur Weihrauch liegt die „Schonheit [...] in der Natur“, wie sie durch ihre extravagante Intensitat des Sehens und der emotionalen Zartlichkeit ausgedruckt wird. Sie findet sich in der interpretativen Vielfalt der Dinge in der Welt, die sie umgibt - „die verschiedensten Formen der Realitat.“ Danach ubertragt sie sich durch ihr wahrnehmendes Auge und die malerische Interpretation in ihre Kunst. Das Ergebnis „gehort daher aufgrund des Prozesses der kontinuierlichen optischen Selbstentdeckung zur Kunst.“
Malen ist eine gegenstandliche Kunst, die nur aus dem Realen und Sichtbaren bestehen kann ... ein Ziel, das rein abstrakt, nicht sichtbar und nicht existent ist, liegt nicht im Bereich der Malerei.
Mit ‘im Grunde eine gegenstandliche Kunst’ meinte Courbet, dass Malerei Material ist, das Malen ist ein materieller Prozess, der aufgefuhrt wird und nicht sofort konzeptuell ist, obwohl sich Ideen wahrscheinlich gut darin einfugen lie?en. Sie ist sensorisch und leitet sich von „realen und existierenden Dingen“ ab. Daher ist „ein Objekt, das rein abstrakt ist“, ein Gedanke, eine mathematische Gleichung, eine spekulative Projektion, die keinesfalls sensorisch ist oder sichtbar gemacht werden kann, kein Teil dessen, was die Malerei ausmacht.
Fur einen Kunstler ist Kunst oder Talent lediglich eine Moglichkeit, seine personlichen Vorlieben auf die Ideen und Dinge der Zeit anzuwenden, in der er lebt.
Aus diesem Grund liegt Caroline Weihrauchs Talent in der Anwendung ihrer personlichen Begabungen auf die Welt, in der sie lebt. Wortlich eine Fortschreibung der Ideen, die Baudelaire zuerst ausgedruckt hatte, als er erklarte, „das Ziel fur ihn (oder sie in diesem Fall) ist es, aus der Mode die Lyrik abzuleiten, die in ihrem historischen Gewand ruht, um das Ewige vom Verganglichen zu trennen.“ Und wieso ist sie relevant und wieso fasziniert Malerei auch weiterhin in einer Welt, in der die meisten der fruheren Rollen und Funktionen von anderen Medien, wie beispielsweise Fotografie und Film, das Internet und die erweiterte Virtualitat ubernommen wurden? Die Antwort ist, dass „Postmoderne keine Moderne an sich [ist], sondern ein im Entstehen begriffener Zustand und dieser Zustand ist konstant.“ Und es ist selbsterklarend, dass der Wunsch nach Malerei, die die Form eines fortgefuhrten expressiven Realismus hat, genauso lebendig ist wie immer.
Dies sind die essentiellen Qualitaten, die die Malerei von Caroline Weihrauch verfolgt und zu entwickeln versucht. Sie studierte Anfang der 1990er Jahre an der HdK zusammen mit Andrzje Woroniec, Wolfgang Patrick und Hans Jurgen (Hajo) Diehl und ihre Arbeit reflektiert eine intensive Wahrnehmung von Farbe, die der expressionistischen Tradition ahnelt, die so oft mit Berlin in Verbindung gebracht wird. Jeder Besuch des Brucke Museums in Berlin wurde diese Tatsache bestatigen. ABER, nachdem ich dies nun gesagt habe: die Bilder von Weihrauch haben eindeutig keine expressionistische Absicht und sie bleiben im Bereich des expressiven Realismus - sie verfalschen nicht, was sie sehen, wie das bei deutschen expressionistischen Bildern oft der Fall war. Weihrauchs Oberflachen sind satt und fuhlbar, die Bluten der Blumen, Pfingstrosen, sind voll aufgebluht und sinnlich, als ob die Blutenblatter zerbrockeln und abfallen wurden, wenn man sie beruhrte. Manchmal gibt es Phasen mitrei?ender monochromer Ebenheit, die nur in dem Sinne abstrakt sind, als dass sie sich entfernen von dem was gesehen und erlebt wird. Die Titel machen dies oft deutlich: „The man who loved flowers“, „Blessed grounds“ (Schauplatze in Berlin), „Vier Jahreszeiten“ (Four Seasons, 2014), „Good Luck! 2012“. Die Gemalde sind wie gesagt feierlich und zeigen oftmals Restaurants, zukunftige Veranstaltungen wie Dinner oder Partys und spezielle burgerliche Feierlichkeiten und heiteren Genuss. Weihrauchs Gemalde vermitteln eine gewisse Freude. Und obwohl die Themen eindeutig modern sind, erscheinen sie in ihrer Phantasie auch unzeitgema? ,oder sie tun genau das, was Baudelaire sagte: sie versuchen, die ewigen von den verganglichen Realitaten des Alltags zu trennen.
Vielen Dank!
CAROLINE WEIHRAUCH-FINISSAGE-LAUDATION
27 February 2015, ©Mark Gisbourne
I want to start with three short quotations that I think might give a broad avenue of access to Caroline Weihrauch’s colour-driven paintings, that is to say paintings that represent a continuity within the pictorial and representational traditions of what might be called creative expressive realism in picture-making…and I will incorporate their understanding into the discussion in due course.
1) The beautiful is in nature, and it is encountered under the most diverse forms of reality. Once it is found, it belongs to art, or rather to the artist who discovers it.
2) Painting is an essentially a concrete art and can only consist of real and existing things...an object which is purely abstract, not visible, non-existent, is not within the realm of painting.
3) Art or talent, for an artist is merely a means of applying his personal faculties to the ideas and the things of the period in which he lives.
The quotes are taken from a painter who is often seen as the father of ‘realism’ and considered the first ‘modern’ artist, namely Gustave Courbet, and that is to distinguish him from say Edouard Manet, who is often seen as the father figure of modern art. Courbet as the founder of ‘realism’ represented a vital historical bridge to the future in painting. At a time when it was still undecided (Traditional Academicism and Salon painting though unforeseen at the time was coming to an end) and to what was to be a ‘modern’, before, that is, Manet led on to ‘modern art’ and a subsequent so-called ‘modernism’ (at the time of Cubism) that shaped much of the twentieth century. Thus when this ‘modernism’ came into question at the time of the proposed ‘end of painting debate’ in the 1970s, Jean Francois Lyotard (1924-98) coined the specific term ‘postmodernism’. He cited it, and I quote, “postmodernism is not modernism at its end but in the nascent state, and this state is constant.” What does this mean? It means that what was called ‘modernism’ was a particular trajectory, that is an outcome that manifested itself as a type of modernism that became predetermined and dominant, but it was not the only option that might otherwise have emerged, there was any number of possible alternatives. And what stood at that moment as the mediating bridge of the time that modernism took off in the particular direction it was to take, the s-called ‘isms’ of Impressionism, Post-Impressionism, Cubism and so on into the twentieth century…was REALISM, and a particular type of figurative expressive realism represented by the founder of modern realism Gustave Courbet (1819-1877). One should not forget either that the so-called ‘critic’ and defining writer of ‘modern life’ was Charles Baudelaire (1821-67), a friend and fellow revolutionary to Courbet. In his famous now canonical text called ‘The Painter of Modern Life’ (1863), he defines ‘Modernity’ as “And so, walking or quickening his pace, he goes his way, forever in search. In search of what? …..He is looking for that indefinable something we may be allowed to call ‘modernity’ for want of a better term to express the idea in question. The aim is for him is to extract from fashion the poetry that resides in its historical envelope, to distil the eternal from the transitory.”
Now I can hear you say, well how does all this relate to the paintings of Caroline Weihrauch who I am purportedly discussing tonight. Well her paintings represent this great and continuous tradition of a figurative expressive realism. And this tradition needs to understood completely separately from the formerly dominant ‘realisms’ of the twentieth century, such as the meticulous representational painting tradition derived from photographs, such as ‘photorealism’, ‘hyperealism’, and ‘superrealism’ where the intention is to copy and magnify the photograph directing them to other aesthetic purposes, and similarly it must be separated from the somewhat negative history of ‘socialist or social realism’ as was bound up in a political ideology that subverted realism to its uses for the purposes of state propaganda and ideology. What is called modern realism has therefore suffered much then in terms of its misuse and mis-application since its advent in the mid-nineteenth century in the work of Courbet. Weihrauch’s paintings are in fact very Courbet like in terms of genre and general subject matter—in fact they link to early modern art directly—that he ‘Courbet’ initiated, still life, interiors, flower paintings, beach scenes, the street, everyday life, etc. Indeed they echo very much the subject mater and genre specialities begun by Courbet and continued through the second half of the nineteenth century (Manet, Renoir, Vuillard, Bonnard, etc), the latter aspects sometimes called the Belle Epoche, in fact Weihrauch’s paintings feel is very Proustian, restaurants such as the Paris Bar, food consumption, pleasure, the bon vivant and oral sensuality.
It is called expressive realism, or, at least that is as I read it, because it is not about direct transcription of reality as such, as might be the case with photorealism. It is a realism that is filtered through expressive affect, a realism distilled through sensibility, more akin to the expressive realism of someone like Edward Hopper, though without the morose existential melancholy of the American master. Weihrauch’s paintings are clearly in essence celebratory. They are expressive because they magnify and intensify the objects and settings as seen—and this remains so, whether or not they are derived from the adapted uses of a photograph or otherwise reproductive material. And it takes us back to the quotes that I began with: The beautiful is in nature, and it is encountered under the most diverse forms of reality. Once it is found, it belongs to art, or rather to the artist who discovers it.
For Weihrauch ‘the beautiful is in nature’ as expressed through its extravagant intensities of seeing and emotive affection. It is found in the interpretive varieties of things in the world that surrounds her, ‘the most diverse forms of reality’. It is translated thereafter into her art though her perceiving eye and painterly interpretation, and as a result it therefore ‘belongs to art’, through her process of continuous optical self-discovery.
Painting is an essentially a concrete art and can only consist of real and existing things...an object which is purely abstract, not visible, non-existent, is not within the realm of painting.
By ‘essentially a concrete art’ Courbet meant that painting is material, painting is a material process that is enacted and it is not immediately conceptual, though clearly ideas may well be incorporated into it. It is sensory and derived from ‘real and existing things’. Thus ‘an object that is purely abstract’, a thought, a mathematical equation, a speculative projection that is not in some way sensory, or able to be made visible, is not part of what constitutes painting.
Art or talent, for an artist is merely a means of applying his personal faculties to the ideas and the things of the period in which he lives. Hence Caroline Weihrauch’s skills are the application of her personal faculties to the world in which she lives. Literally an updating of the ideas first expressed by Baudelaire, when he stated, that the “aim is for him (or her in this case) is to extract from fashion the poetry that resides in its historical envelope, to distil the eternal from the transitory.” And why is it relevant, and why does painting continue to fascinate in a world where most of its former roles and functions have been usurped by other media, such as photography and film, the internet, and expanded virtuality? The answer is that “…postmodernism is not modernism at its end but in the nascent state, and this state is constant.” And it is self-evident that the desire for paintings that possess forms of continued expressive realism are as vibrant as ever.
These are the essential qualities that Caroline’s Weihrauch’s paintings pursue and try to develop. Having trained at the UdK, with Andrzje Woroniec, Wolfgang Patrick, and Hans Juergen (Hajo) Diehl, in the early 1990s, her works reflect an intense sense of colour application very much like the Expressionist tradition so-often associated with Berlin. Any visit to the Die Brucke Museum in Berlin would quickly vindicate this fact. BUT this said, the paintings of Weihrauch are clearly not Expressionist by intention, and they remain in the realm of an expressive realism—they do not distort what they see as was often the case with German Expressionist paintings. Weihrach’s surfaces are succulent and palpable, the blooms of flowers, peonies, are full blown and sensuous, as if the petals would crumble and fall away if they were touched. There are sometimes passages of sweeping monochromatic flatness, abstract only in the sense that they take off from what is seen and experienced. The titles often make this explicit, ‘the man who loved flowers’, ‘blessed ground’ (sites in Berlin)’, ‘Vier Jahreseiten’ (Four Seasons, 2014), ‘Good Luck! 2012’. The paintings are as said celebratory often depicting restaurants, inferring future events of dining or partying, and particular bourgeois sites of celebration and cheerful consumption. There is a feeling of elation in Weihrauch’s paintings. And though the subjects are of clearly of today in terms of their sources, they appear also in some imaginative out of time, or they do exactly what Baudelaire suggested, namely they seek to distil the eternal from the transitory realities of everyday life.
Thank You!